Ciudad de México 8 noviembre 2026.- Como alguien que hizo de la libertad un principio de vida, Arnaldo Coen instaba a aproximarse al arte con esa misma disposición.
Recién en enero de este año, al presentar la muestra Memoria/Cuerpo/Metamorfosis en la Galería 526 del Seminario de Cultura Mexicana (SCM), el renombrado artista visual sostenía que cada exposición era una ventana al mundo, «y hay que dejarse llevar por lo que uno ve a través de esa ventana». (REFORMA, 15/01/2026)
«El arte no tiene fronteras ni de tiempo ni de espacio, y uno se puede dejar llevar, sobre todo con libertad. Porque la libertad es el camino más importante para la creatividad», afirmó entonces quien edificara una importante carrera de más de seis décadas de creación precisamente así, sin ataduras.
Coen, fallecido este domingo a los 86 años, quedó inscrito en la historia del arte nacional por su constante experimentación y la búsqueda de nuevas formas de expresión artística. En otras palabras, por su «tremenda inquietud», a decir del curador y crítico de arte Santiago Espinosa de los Monteros.
«Arnaldo muy difícilmente despegaba a la creación plástica de las diferentes artes, por eso estuvo siempre cerca de la palabra escrita, de la música -sobre todo con gente como Mario Lavista-, de la fotografía y, bueno, también de la experimentación escultórica () Es decir, era un hombre, primero que nada, casi, casi que enciclopédico», opinó Espinosa de los Monteros en entrevista telefónica.
«La música, la literatura, la palabra, la reflexión y su habilidad pictórica, pues lo hicieron un artista muy completo», refrendó, por su parte, el arquitecto Felipe Leal, presidente del SCM. «(Fue) un gran amigo y, además de gran amigo, gran compañero del Seminario; pero, sobre todo, un gran artista, un artista multifacético excepcional».
Quien dio a conocer el deceso del creador capitalino reconocido con el Premio Nacional de Ciencias y Artes 2014 y la Medalla Bellas Artes 2022 en Artes Visuales fue su esposa, la galerista y gestora cultural Lourdes Sosa, a través de un mensaje de WhatsApp difundido entre sus contactos.
«Con profundo amor y tristeza les comparto que hoy Arnaldo Coen emprendió un nuevo viaje. Su espíritu libre se funde ahora con el gran misterio de la existencia que tanto lo fascinó y que exploró en cada una de sus obras. Nos deja su creatividad, su curiosidad infinita, su humor, su inteligencia y su mirada. Agradezco a la vida cada instante compartido», escribió Sosa.
Si bien la noticia no dejó de ser motivo de tristeza, no fue del todo inesperada dados los problemas de salud que el artista padecía; «ya sabíamos que estaba delicado de salud, los últimos meses Arnaldo estuvo ahí un poco batallando», comentó Leal.
«Ya sabíamos de su estado deteriorado de salud; se la estaba pasando mal, la verdad. Pobre», remarcó Espinosa de los Monteros.
De ahí que la muestra inaugurada a inicios de año en el SCM, en la que exhibió una serie de 52 piezas de arte objeto cuyo punto de partida es el cubo, fuera una suerte de homenaje, en palabras de Leal.
«Estaba concentradísimo, con gran ilusión; eso le dio a él todo un aliento de vida durante su último año. Entonces, de alguna forma fue casi como una despedida involuntaria, aunque siguió acudiendo a las sesiones del SCM, ya mermada su salud, pero con mucho ánimo y gran sentido del humor», destacó el arquitecto.
***
Siendo adolescente, a Arnaldo José Coen Ávila le aconsejó Diego Rivera no estudiar arte en la escuela, sino que se dedicara a ver el quehacer artístico de cuantos creadores pudiera.
Y si bien así lo haría, por ejemplo, en su paso por París distinguido con una beca del Gobierno francés en 1967, lo cierto es que había convivido desde muy joven con distintos creadores, y ello resultó una influencia muy importante para que optara por tal vida.
Su abuela paterna, la mezzosoprano Fanny Anitúa -madre del lingüista Arrigo Coen-, fue fundadora del SCM junto con figuras de la talla de Frida Kahlo, el compositor Manuel M. Ponce, el escultor Luis Ortiz Monasterio y el escritor Mariano Azuela.
«Tenía acceso a esos grandes personajes, que eran como mis tíos, porque nos visitaban y los veía como parte de mi familia. El entorno en el que me moví tenía mucho que ver con esa sensibilidad para las artes», recordaba a sus 82 años (REFORMA, 15/10/2022) el artista que primero estudiara danza con Guillermina Bravo y Federico Castro, dramaturgia con Hugo Argüelles y actuación con Seki Sano.
De 1957 a 1960, incursionó en diseño gráfico con el artista gráfico neoyorquino Gordon Jones; estuvo un año en el taller del expresionista abstracto Lawrence Calcagno, y en 1963 tuvo su primera exhibición individual, De los conventos a la ópera, en la Galería Mer Kup en Polanco.
Y aunque históricamente se le consideró un creador clave de la llamada Generación de la Ruptura, Coen no necesariamente congeniaba con esa categoría propuesta por la crítica de arte Teresa del Conde para referir un cambio, «porque había una consigna de que si uno quería ser artista tenía que pertenecer a la Escuela Mexicana de Pintura, al nacionalismo, y hacer un arte para el pueblo», decía el artista a este diario hace unos años.
«Yo siempre he pensado lo contrario: hay que hacer un pueblo para el arte», sostenía. «Llegó esa palabra, ‘ruptura’, para esta generación y llegó para quedarse. Pero ya no estoy rompiendo con la Escuela Mexicana de Pintura, ni me preocupa ni me preocupó nunca».
De ahí que, al despedirlo con un mensaje desde su cuenta de Facebook, el curador Cuauhtémoc Medina lo refiriera más bien como uno de los últimos sobrevivientes de la oleada de artistas que a mediados del siglo pasado optaron «por la experimentación visual frente a los dogmas identitarios postrevolucionarios».
Junto a sus conocidos cuadros con formas abstractas y coloridas, en la vasta producción de Coen también hay trabajos como Robarte el arte (1972), filme creado para Documenta 5, exposición internacional celebrada en Kassel, Alemania; una partitura gráfica/libro de artista en homenaje al compositor John Cage, y serigrafías que acompañaron la obra poética y visual Carta de creencia (1987), de Octavio Paz.
«Había esa como comunión y no estar despegados los escritores de los de danza, ni los de danza con los de pintura, ni los de pintura con los de música, sino que había una conjunción de disciplinas que Arnaldo de alguna manera pudo llevar muy bien en su trabajo», resaltó Espinosa de los Monteros.
Los hexagramas del I Ching y la obra del pintor italiano Paolo Uccello también influyeron al artista mexicano que aparece bailando con Silvia Pinal en la cinta de Luis Buñuel Simón del desierto (1965), y que llevara a rockeros como Javier Bátiz y los Dug Dug’s al Palacio de Bellas Artes en 1971, mismo año en que fue parte de los detenidos cuando policías judiciales irrumpieron en una fiesta en Lomas de Chapultepec.
«Creo que el mundo de las artes visuales tiene que revisar el trabajo de Arnaldo porque lo que hizo, lo que dejó, su pensamiento, las propuestas que llevó a cabo, pues marcaron a muchas personas que vinieron después que él», subrayó Espinosa de los Monteros, esperando que las autoridades culturales correspondan sus mensajes de luto con el debido homenaje.
«Yo sé que ahorita no es muy de los agrados de esta Administración», continuó el crítico y curador, «pero sí esperaría yo algo de generosidad por parte de las instancias culturales federales y locales también».